stilul Ludovic al XIV-lea. Stil grozav. Stil interior plin de farmec Ludovic al XIV-lea stil Grand Louis 14

Lush „stil Louis XIV” în interior

Interioarele din vremea lui Ludovic al XIV-lea capătă, în contrast cu aspectul exterior al clădirilor din acest timp, un caracter extrem de magnific, solemn și ceremonial. Îndeplinindu-și rolul social și istoric, ei au servit drept fundal bogat, luxuriant și în același timp monumental pentru ceremoniile și ritualurile vieții de curte ale vremii. Franța în această perioadă a fost cel mai puternic stat din Europa. Dictatorul artistic al vremii, artistul de curte Charles Lebrun, a căutat să sporească sunetul maiestuos al decorațiunii interioare, introducând marmură policromă în decor în combinație cu bronz aurit, reliefuri și picturi de tavan spectaculoase în exterior. În interioare au fost folosite elemente de comandă, în principal pilaștri și semicoloane, dar atenția principală nu a fost acordată exactității proporțiilor acestora, ci mai degrabă finisajului - placare cu marmură colorată. Rolul principal în decorarea incintei l-au jucat ramele grele și detaliile plastice arhitecturale, care încadrau și decorau secțiuni individuale ale pereților, cornișelor și erau așezate sub formă de desudeportes deasupra ușilor și pe abajururi. Printre exemple se numără decorațiunile Palatului Versailles, inclusiv sălile Războiului și Păcii.

Rolul principal în determinarea stilului de artă decorativă din acest timp, după cum sa menționat, i-a aparținut lui Charles Lebrun, iar în dezvoltarea mostrelor în prima perioadă a perioadei de glorie a barocului - artistul Jean Lepautre.

Mobilierul palatului în stilul lui Ludovic al XIV-lea s-a remarcat prin bogăția și suprasaturarea designului, în primul rând sculpturi, acoperite abundent cu aurire. Pe lângă mobilierul cu prelucrare sculptată, mobila devine la modă "stil taur", numit ulterior după fierarul de la curte Andre Charles Bulle (1642 - 1732). Avand o structura destul de simpla, obiectele au fost realizate din lemn colorat, in principal abanos, au fost decorate din belsug cu rame de oronze umplute cu insertii de carapace, sidef si alte materiale, tije, rozete si alte detalii. Baza compozițională a constat din panouri cu introducerea unor figuri umane încadrate de ornamente răsucite. Mobilierul lui Bull, bogat și rafinat, producea în același timp o senzație de o anumită uscăciune a formei.

Din anii 1680, mobilierul realizat în acest stil a căpătat o rafinament deosebită în decorare, datorită deplasării pieselor din lemn de metalul lucios - bronz aurit. Argintul, alama și tabla au fost, de asemenea, folosite în decorațiuni.

Fotoliile, scaunele și canapelele, care deveneau răspândite în acest moment, au picioare în formă de S sau piramidale care se îngustează în jos. Forma cotierelor devine, de asemenea, mai complexă. Scaunul moale, spătarul înalt și cotierele parțial sunt acoperite cu diverse țesături elegante spaliere cu imagini de copaci, flori, păsări și bucle ornamentale. Tipurile de scaune devin din ce în ce mai diverse, în special, apar scaune cu două proeminențe laterale semicirculare la spate la nivelul capului - mai ales pentru persoanele în vârstă. Prin combinarea a trei fotolii interconectate cu cotiere care lipsesc din scaunul central, sunt create canapele. Ramele spatelui lor capătă contururi moi ondulate.

În acest moment, mobilierul de dulap a devenit mai răspândit: mese de diferite forme, console de perete, cel mai adesea pe picioare îndoite, comode, care înlocuiau cufere pentru depozitarea lenjeriei. Sculpturile bogate și detaliile din bronz aurit sunt utilizate pe scară largă în decorare. Mobilierul din acest timp, greu și monumental, a căpătat o mare diversitate compozițională atât în ​​ansamblu, cât și în elemente individuale.

Arta aplicată din mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVII-lea, așa cum sa menționat mai sus, a fost de mare importanță pentru decorarea interioară. Locurile erau decorate cu tapiserii, covoare savoneri așezate pe podea, țesături de mătase, draperii și fețe de masă și argintărie, care au devenit din ce în ce mai răspândite și importante în timp.

Încă de la sfârșitul secolului al XVII-lea, din cauza deteriorării situației economice a țării, inclusiv a curții regale, cauzată de eșecuri de natură militară și politică, luxul extrem al decorațiunii observat la curtea lui Ludovic al XIV-lea face loc reținere relativă. Elementele de clasicism sunt îmbunătățite în interioare.

Înțelegerea termenului „glamour” în timpul nostru este foarte distorsionată datorită interpreților de muzică pop și unor reprezentanți ai „tinereții de aur”. De fapt, stilul plin de farmec, cel puțin în interior, este rafinament, lejeritate, lux și atent gândit la detalii. Există mai multe opțiuni pentru un interior plin de farmec, fiecare dintre ele având propriile caracteristici distinctive. Unul dintre cele mai faimoase și interesante este stilul lui Ludovic al XIV-lea, cunoscut și sub numele de Regele Soare.

Decorarea interiorului tău într-un stil plin de farmec este foarte costisitoare și ar trebui să fii pregătit pentru asta. În plus, rețineți că această opțiune nu este potrivită pentru camere înghesuite sau camere cu tavane joase. Dacă nu vrei să-ți asumi riscuri și să încerci să decorezi singur interiorul, încearcă să ceri ajutor unui designer profesionist. În acest caz, va trebui să cheltuiți mai mulți bani, dar rezultatul va fi mai bun. În primul rând, alegeți o schemă de culori. Pentru un interior în stilul lui Ludovic al XIV-lea, atât culorile calde, cât și cele reci sunt potrivite, dar nuanțele în orice caz ar trebui să fie moi și restrânse. Există trei opțiuni principale din care puteți alege: bej auriu, gri argintiu și alb-negru. În continuare, trebuie să selectați materialele de finisare. Pardoseala trebuie să fie fie gresie de marmură, fie parchet de înaltă calitate. Prima opțiune este potrivită pentru interioare monocrome și „reci”, a doua – pentru design în culori calde.

Pereții ar trebui să fie decorați cu tapet din țesătură de lux, tencuială decorativă sau panouri din lemn, dar ultima opțiune este cea mai puțin preferată. Vă rugăm să rețineți: atât ferestrele, cât și ușile trebuie vopsite pentru a se potrivi cu pereții. Acum treceți la alegerea mobilierului. Aceasta este etapa cea mai dificilă și cea mai scumpă. Mesele și scaunele trebuie să fie din lemn masiv și decorate cu aurire sau sculpturi. Mobilierul tapițat ar trebui să fie tapițat cu materiale scumpe: de exemplu, catifea sau brocart. În plus, este adesea decorat cu volane, franjuri și alte elemente decorative. Produsele cu picioare îndoite, mobilierul completat cu piese forjate etc. sunt ideale În același timp, nu ar trebui să aglomerați camera: alegeți mai întâi cele mai necesare articole și, dacă există suficient spațiu liber, adăugați mobilier suplimentar. În prezent, în magazinele specializate găsești o serie întreagă de articole glamour la modă, astfel încât nici măcar nu trebuie să alegi combinațiile potrivite.

Lămpile trebuie să fie cu siguranță luxoase, în stil antic. Punctul culminant al interiorului poate fi un candelabru mare cu lumânări. Veți avea nevoie și de bijuterii. Pentru un interior plin de farmec în stilul lui Ludovic al XIV-lea, sunt potrivite covoarele scumpe cu grămadă lungă, draperiile groase cu ciucuri și lambrequine, perne decorative, oglinzi și picturi în rame masive, tapiserii și sfeșnice. Vă rugăm să rețineți: nu ar trebui să existe prea multe accesorii, altfel îți vei transforma casa într-un muzeu și nu va fi foarte confortabil.

Interiorul în stilul lui Ludovic al XIV-lea a apărut în timpul domniei sale 1643-1715. Pentru a vă imagina mai bine acest stil, trebuie să vă plonjați în istoria vremii. Cu toate acestea, istoria nu este capabilă să descrie starea emoțională a societății în 1643, așa că este mai bine să ne întoarcem la ficțiune, unde autorul, ca un psiholog subtil, va arăta cele mai discrete colțuri ale sufletului lui Ludovic al XIV-lea și ale oamenilor din jur. l. Întrebarea poate apărea, desigur, cu privire la modul în care stilul interior este legat de starea emoțională. Dar totul este simplu, interiorul reflectă caracterul unei persoane.

Cel mai priceput autor care pictează maiestuos un tablou al vieții lui Ludovic al XIV-lea este Alexandre Dumas în romanul său Viconte de Bragelonne, sau zece ani după, a treia parte a trilogiei de romane despre cei trei mușchetari și d'Artagnan. Aceasta descrie începutul domniei lui Ludovic al XIV-lea. Regele de 25 de ani este chipeș, amoros, energic. Ca orice domnitor, iubește sincer complimentele, în unele cazuri chiar lingușirile, îi place să fie înconjurat de oameni elocvenți care pot folosi cuvintele pentru a picta o imagine reală în imaginația lor cu cele mai mici detalii. Societatea spunea că Ludovic al XIV-lea era ca soarele întregii Franțe. Artiștii, sculptorii, designerii, văzând în regele lor, pe de o parte, un conducător puternic și, pe de altă parte, un tânăr amoros, își transmit caracterul prin opere de artă, precum și prin decorarea casei sale. Astfel, artistul Charles Lebrun introduce marmura cu culori pestrițe în decor în combinație cu bronz aurit, reliefuri și picturi pe tavan. Principalul decor al localului au fost rame grele și stucaturi pe pereți, care pot fi văzute încă în Palatul Versailles, inclusiv în Sala Războiului și Păcii.

„Stilul măreț”, așa cum este numit și stilul lui Ludovic al XIV-lea, se bazează pe locul în care sunt prezente elementele. Acest lucru se datorează faptului că regele este comparat cu Iulius Caesar și Alexandru cel Mare. „Big Style” include și elemente. În primul rând, acestea sunt tablouri ale lui Jean Leport, care au decorat pereții caselor. De obicei, picturile erau pictate la înălțimea umană.

Mobilierul palatului conținea o mulțime de sculpturi acoperite cu aurire. Obiectele au fost create din lemn colorat, care a fost decorat cu diverse materiale prețioase. Mai târziu, lemnul a început să fie înlocuit cu bronz aurit, argint, alamă și tablă. Picioarele scaunelor și fotoliilor aveau o formă de S sofisticată. Elementele de mobilier au fost acoperite cu țesături bogate cu modele organice. Mobilierul de cabinet apare și sub formă de console de perete și comode cu picioare curbate.

Interiorul a fost decorat cu tapiserii, covoare, țesături de mătase care acopereau pereții și tavanele și diverse obiecte de argint.

Au apărut pentru prima dată sub Ludovic al XIV-lea. Acestea erau lămpi mari de tavan care ardeau cu lumânări. În razele lor, cristalul strălucea cu toate culorile curcubeului. Vederea era uluitoare.

Un interior atât de bogat și luxos a existat până la sfârșitul secolului al XVII-lea, iar mai târziu, din cauza deteriorării economice a țării, interiorul a început să dobândească trăsături mai clasiciste.

Stil mare- (franceză „Grand maniere”, Le style Louis Quatorze) - stilul artistic al uneia dintre cele mai vibrante perioade din istoria Franței, „epoca de aur” a artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVII-lea.

Asociat cu domnia regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715), de unde și numele. Acest stil combină elemente de clasicism și baroc. Cu structura sa figurativă, „Stilul Mare” a exprimat ideile de triumf al puterii regale puternice, absolute, unității naționale, bogăție și prosperitate, de unde și epitetul „ Le Grand».

În 1643, moștenitorul tronului în vârstă de cinci ani s-a trezit în fruntea Franței. Ludovic al XIV-lea, mama sa, Regina Ana a Austriei, a devenit regentă. Politica a fost stabilită de primul ministru, atotputernicul cardinal Mazarin. În ciuda urii poporului față de cardinalul italian și antipatiei față de „regina austriacă”, ideea necesității unei puteri absolute durabile, ca o condiție indispensabilă pentru dezvoltarea națiunii franceze și unificarea țării, a adunat mințile conducătoare ale timpul - politicieni, nobilimi, scriitori și artiști - în jurul tronului. În 1655, tânărul rege a rostit celebra frază la o ședință a parlamentului: „ L"Etat, c"est moi! („State, eu sunt!”). Iar curtenii, nu fără lingușiri, desigur, l-au poreclit „ Roi Soleil" - "Regele Soare" (care strălucește mereu peste Franța). Ministrul de Finanțe al Regelui Soare J.-B. Colbert„supraveghea” dezvoltarea arhitecturii și activitățile Academiilor. În 1663, Colbert a organizat „ Academia de Inscripții”, anume pentru alcătuirea de inscripţii pentru monumente şi medalii de slăvi pe rege. Arta a fost declarată chestiune de stat. Artiștilor li s-au dat instrucțiuni directe pentru a glorifica puterea regală nelimitată, indiferent de mijloace.

Idealuri estetice

„Stilul mare” trebuia să reflecte noile idealuri ale absolutismului. Nu putea fi decât Clasicism, asociat cu măreția vechilor greci și romani: regele francez a fost comparat cu Iulius Cezar și Alexandru cel Mare. Dar clasicismul strict și rațional părea insuficient de magnific pentru a exprima triumful unei monarhii absolute. În Italia la acea vreme stilul domina Stil baroc. Prin urmare, este firesc ca artiștii francezi să apeleze la formele barocului italian modern. Dar în Franța, barocul nu a putut să iasă din arhitectura clasicismului la fel de puternic ca în Italia.

Încă din epocă Renașterea franceză secolul al XVI-lea În această țară s-au stabilit idealurile clasicismului, a căror influență asupra dezvoltării artei nu a slăbit până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Aceasta este caracteristica principală a „stilului francez”. În plus, formele clasiciste au prins rădăcini pe un alt sol decât în ​​Italia, din puternicele tradiții naționale ale artei romanice și gotice. Așa se explică de ce din barocul italian au fost împrumutate numai elemente individuale, în timp ce principalele principii formative ale artei din epoca lui Ludovic al XIV-lea au rămas ideile clasicismului. Astfel, în proiectarea fațadelor clădirilor s-a păstrat designul strict clasicist al pereților, dar elementele baroc au fost prezente în detaliile de design interior, spaliere și mobilier.

Influența ideologiei de stat a fost atât de mare încât din acel moment, etapele individuale ale dezvoltării artei în Franța au început să fie desemnate cu numele regilor: stilul lui Ludovic al XIV-lea, stilul lui Ludovic al XV-lea, stilul lui Ludovic al XVI-lea. . Obiceiul acestui nume a fost mai târziu inversat înapoi la vremea dinaintea domniei lui Ludovic al XIV-lea. O altă caracteristică importantă a epocii a fost că tocmai în Franța, în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a luat contur conceptul de stil artistic. Înainte de aceasta, în Italia, ideile clasicismului, abia începând să prindă contur, au fost imediat înlocuite de manierism și baroc.

Clasicismul ca mișcare artistică a luat contur în Franța și de atunci, nu Roma, ci Parisul a început să dicteze moda în artă și rolul acesteia nu a slăbit în secolele 18, 19 și 20 ulterioare. Pentru prima dată în istorie, în Franța, în epoca lui Ludovic al XIV-lea, stilul a început să fie recunoscut ca cea mai importantă categorie de artă, estetică și a devenit norma de viață, viața de zi cu zi și morala, pătrunzând toate aspectele etichetei curții ( cuvânt care a apărut și la curtea lui Ludovic al XIV-lea). Odată cu conștientizarea stilului vine și estetizarea elementelor formale individuale, cultivarea gustului și un „simț al detaliilor”. Această caracteristică a devenit o tradiție, care de-a lungul mai multor decenii a creat un „simț al formei”, o cultură plastică și o subtilitate a gândirii inerente în mod specific școlii franceze. Dar această cultură nu s-a dezvoltat ușor. La început, idealul renascentist al unei forme holistice, statice, autoechilibrate (oarecum zdruncinat de arta manierismului și barocului) a fost înlocuit cu ideea de estetizare a „deliciilor aleatorii” și a mijloacelor individuale de atingere a frumuseții: linia, vopsea, textura materialului. În locul categoriei de compoziție (compositio), propusă de arhitectul și teoreticianul italian L. B. Alberti, se introduce conceptul de „compus mixt” (lat. mixtum compositura). Această fragmentare a început cu artiștii manieristi italieni care au lucrat la curtea lui Francisc I și apoi Henric al II-lea la școala din Fontainebleau. Studenții lor francezi, care lucrau în conți și castele regale de-a lungul râului. Loara și chiar Parisul au format treptat o cultură aristocratică a formei, care mai târziu a strălucit în stilul rococo al secolului al XVIII-lea, dar a dat primele roade în secolul al XVII-lea. „Poate că influența artei franceze asupra vieții straturilor superioare ale Europei, inclusiv a societății ruse, a fost mai puternică în secolul al XVIII-lea, dar bazele supremației limbii franceze, manierele, modele și plăcerile au fost puse, fără îndoială, de către timpul „Regelui Soare”.

Nu este o coincidență că a doua jumătate a secolului al XVII-lea este numită „cea mai strălucită perioadă a istoriei franceze”. Cele mai frecvente cuvinte, repetate adesea în memoriile și tratatele de estetică ale vremii: măreț, măreție, lux, festiv... Probabil, splendoarea stilului de artă de curte a creat într-adevăr impresia unei „sărbătoare eterne a vieții”. Potrivit celebrei memoriste Madame de Sevigne, curtea lui Ludovic al XIV-lea a fost mereu „în stare de plăcere și de artă”... Regele „ascultă mereu un fel de muzică, foarte plăcută. Vorbește cu doamnele care sunt obișnuite cu această onoare... Festivitățile continuă în fiecare zi și la miezul nopții.” În „secolul al XVII-lea strălucit”, stilul, eticheta și maniera au devenit o adevărată manie. De aici și moda pentru oglinzi și memorii. Oamenii doreau să se vadă pe ei înșiși din exterior, să devină spectatori ai propriei poziții. Înflorirea artei portretului de curte nu a întârziat să apară. Luxul recepțiilor de la palat i-a uimit pe trimișii curților europene.

În Marea Galerie a Palatului Versailles, mii de lumânări au fost aprinse, reflectate în oglinzi, iar rochiile doamnelor de la curte erau „atât de pline de bijuterii și aur, încât cu greu puteau merge”. Niciunul dintre statele europene nu a îndrăznit să concureze cu Franța, aflată atunci în apogeul gloriei sale. „Big Style” a apărut la momentul potrivit și la locul potrivit. A reflectat cu acuratețe conținutul epocii - dar nu starea sa reală, ci starea de spirit a minții. Regele însuși nu era interesat de artă, a purtat războaie fără glorie care au epuizat puterea statului. Și oamenii păreau să încerce să nu observe acest lucru, au vrut să arate așa cum li se păreau în imaginația lor. Ce aroganță! Când studiem această epocă, ai senzația că cei mai mari artiști ai ei au fost croitorii și frizerii. Însă, de-a lungul timpului, istoria a pus totul la locul său, păstrând pentru noi marile lucrări ale arhitecților, sculptorilor, desenatorilor și gravorilor. Mania pentru stil și „maniera grandioasă” franceză s-a răspândit rapid în toată Europa, depășind barierele diplomatice și guvernamentale. Puterea artei s-a dovedit a fi mai puternică decât armele, iar Berlinul, Viena și chiar prima Londra au capitulat în fața ei.

Principiile de bază ale stilului

„Stil Ludovic al XIV-lea” a pus bazele culturii internaționale ale curții europene și a asigurat cu triumful său răspândirea cu succes a ideilor Clasicismși stilul artistic Neoclasicismulîn a doua jumătate a secolului al XVIII-lea – începutul secolului al XIX-lea. in majoritatea tarilor europene. O altă trăsătură importantă a erei „Marelui Stil” este că în acest moment ideologia și formele academicismului european luau în sfârșit contur. În 1648, la inițiativa „primului pictor al regelui” Lebrun, Academia Regală de Pictură și Sculptură. În 1666, la Roma a fost creată Academia Franceză de Pictură. În 1671, a fost organizat la Paris Academia Regală de Arhitectură. F. Blondel cel Bătrân a fost numit director al acesteia, iar A. Felibien a fost numit secretar. „Stilul mare” necesita bani mari. Curtea regală, aristocrația curții, Academiile și Biserica Catolică au reușit să creeze un mediu, cel puțin pe raza capitalei, în care au apărut capodopere scumpe. În primul rând s-a impus construirea unor ansambluri arhitecturale grandioase. Au fost introduse funcțiile oficiale de „arhitect la rege” și „prim arhitect la rege”.

Toate lucrările de construcție au fost efectuate de către Departamentul Curții. În 1655-1661. arhitect L. Levo construit pentru N. Fouquet, „controlor regal al finanțelor”, Palatul Vaux-le-Vicomte. Parc în stil obișnuit spart A. Lenotre, interioare strălucit decorate Ch. Lebrun. Palatul și parcul au stârnit o invidie atât de puternică a regelui Ludovic, încât ministrul Fouquet a fost aruncat în închisoare sub primul pretext, iar Levo și Le Nôtre au primit ordin să construiască ceva mai grandios la Paris și Versailles. În 1664-1674. Construcția fațadei de est a completat ansamblul arhitectural al Luvru, principala reședință regală din Paris. Fațada de est este numită „Colonada Luvru” din cauza șirului puternic de coloane duble ale „marelui ordin”. Coloanele cu capiteluri corintice sunt ridicate deasupra parterului și se întind pe etajele al doilea și al treilea, creând o imagine puternică, austeră și maiestuoasă. Colonada se întinde pe 173 de metri. Istoria creării acestei capodopere este interesantă. Maestrul remarcabil al barocului roman matur, J. L. Bernini, a fost invitat să participe la concurs. A prezentat un proiect baroc cu fațade curbate elaborat, bogat în multe elemente decorative, dar francezii și-au preferat propria lor, casnică, mai austeră și clasică. Autorul său s-a dovedit a fi nu un constructor profesionist, ci un medic interesat de arhitectură și, în timpul liber, a tradus în franceză tratatul lui Vitruvius. Era C. Perrault. El a apărat exclusiv vechile, vechile fundații italiene ale arhitecturii clasiciste. Împreună cu C. Perrault, F. de Orbe și L. Levo au luat parte la construcția Luvru, care a creat noile aripi de nord și de sud ale palatului.

În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, arhitectul și fortificatorul S. de Vauban a devenit faimos, a construit peste treizeci de orașe fortificate noi și a reconstruit multe vechi. L. Levo a devenit autorul a două clădiri remarcabile care au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării arhitecturii clasicismului european: Hotel Lambert(1645) și ansamblul " Colegiul celor Patru Națiuni» (« Institutul Franței"; 1661-1665). Lângă College de France în 1635-1642. arhitectul J. Lemercier a construit Biserica Sorbona cu o fațadă în stil baroc italian (conține mormântul cardinalului Richelieu, rectorul universității). Ca și capela Collège de France, Biserica Sorbona este încoronată cu un „dom francez”, neobișnuit pentru acea vreme. În 1671-1676. L. Bruan a ridicat un complex de clădiri pentru invalizi pentru veteranii de război pe malul stâng al Senei. În 1679-1706. arhitect J. Hardouin Mansart a completat acest ansamblu cu capodopera sa - Biserica Invalizilor. Domul său cu ornamente aurite, „lanternă” și turlă sunt vizibile de departe. Bisericile Institutului Franței, Sorbona și Invalizii erau un nou tip de clădire clasicistă, în plan centrat, cu portic, fronton triunghiular și cupolă pe un tambur cu coloane sau pilaștri. Această compoziție - așa-numita „schemă franceză” - a stat la baza multor lucrări ulterioare de arhitectură ale clasicismului european din secolele XVIII-XIX, inclusiv în Rusia. În 1685-1701 creat după proiectul lui J. Hardouin-Mansart în centrul Parisului Locul Ludovic cel Mare(mai târziu - Place Vendôme). În plan dreptunghiular, cu colțuri tăiate, a fost conceput ca un ansamblu ceremonial în cinstea Regelui Soare. În centru se afla o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de F. Girardon (1683-1699); distrusă în timpul revoluției din 1789. Fațadele clădirilor care încadrează piața au același tip de portice, ceea ce conferă integrității și completitudinii compoziției. O altă piață în cinstea regelui, proiectată tot de J. Hardouin-Mansart, este „ Piața Victoriei„(Place des Victoires) a fost creată în 1685. A fost decorată cu statuia ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea opera unui sculptor olandez M. fan Len Bogart(poreclit Desjardins); distrus în timpul revoluţiei din 1792 (restaurat de M. Bosio în 1822; vezi Cavallo).

În 1672, conform planului șefului Academiei Regale de Arhitectură, F. Blondel cel Bătrân, a fost ridicat în cinstea victoriilor armelor franceze - trecerea armatei regelui Ludovic peste Rin. Blondel a regândit forma Arcului de Triumf roman și a creat un nou tip de structură, „Stilul Mare”. Basoreliefurile arcului, bazate pe schițele lui Charles Lebrun, au fost realizate de sculptorii frații Angier. Din 1676, Blondel a elaborat un nou plan general pentru Paris, care a inclus crearea de mari ansambluri arhitecturale și perspective. F. Blondel a fost un teoretician remarcabil în „Cursul de arhitectură” (1675), el a susținut că bazele stilului clasicist nu stau „în imitarea Romei”, ci în gândirea rațională și calculul precis al proporțiilor. Creatorul Colonadei Luvru, C. Perrault, s-a certat cu el. În 1691, un alt tratat teoretic cu același titlu: „Cursul de arhitectură” a fost publicat de Sh.-A. de Aviler. În 1682, Ludovic al XIV-lea a părăsit Parisul și curtea s-a mutat într-o reședință suburbană -.

Acest gest este văzut ca dorința regelui de a crea o nouă capitală strălucitoare, asociată în întregime doar cu numele său. Dintre sculptorii „Stilului Mare”, F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (al cărui frate mai mic este cunoscut pentru grupele „Cailor Marly”), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Tub. În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea au lucrat doi pictori remarcabili: C. Lorrain și N. Poussin. Au lucrat în Italia și în aspirațiile lor erau departe de pomposul „Big Style”. Romancier convins, C. Lorrain este pictor peisagist, textier și romantic. N. Poussin a creat capodopere care întruchipează ideile clasicismului roman „pur”, care întruchipează și romantic armonia antichității. În ciuda cerințelor regelui, Poussin nu a vrut să lucreze în Franța și să fie pictor de curte. Prin urmare, laurii pictorului de curte au fost câștigați mai întâi de academicianul rece și plictisitor S. Vuz, iar apoi de elevul său P. Mignard. În aceiași ani, a izbucnit celebra dispută dintre „Poussinists” (adepți ai clasicismului) și „Rubensists” (supținători ai barocului). La Academia Regală de Pictură, „Poussiniştii” au fost sprijiniţi de C. Lebrun, iar „Rubensiştii” de P. Mignard și Roger de Pille. C. Lebrun i-a venerat pe Raphael și Poussin și a dedicat acestor artiști prelegeri speciale la Academie; în 1642 l-a însoțit pe Poussin în Italia și a lucrat ceva timp alături de el la Roma. Dar este caracteristic că dilema „Poussin-Rubens” (clasicism-baroc), reflectată în zidurile Academiei din Paris de confruntarea Lebrun-Mignard, și-a pierdut sensul, atât de mult a fost similară pictura academică: academicismul a nivelat diferențele în stil. Portretele de curte ale „statuetei mari, sau stilului înalt” create de S. Vouet și P. Mignard sunt uneori numite „academicism baroc”. De pe pereții Galeriei Apollo din Luvru, regii francezi și cei mai buni artiști ai Franței ai vremii ne privesc - în toate portretele se remarcă o expresie disprețuitoare, condescendentă, iar pe chipul Regelui Soare (portret de Lebrun) există o grimasă disprețuitoare. Aceeași expresie este într-o lucrare de pictură și compoziție magnifică - un portret al lui Ludovic al XIV-lea de I. Rigaud. Majoritatea picturilor „primului pictor al regelui” Ch Lebrun sunt exemple plictisitoare de clasicism academic.

În Luvru există o sală mare plină complet cu pânze uriașe de Charles Lebrun, este insuportabil să le privești. În același timp, „Portretul cancelarului Seguier” (1661), propria sa operă, este cea mai rafinată lucrare din punct de vedere al picturii. Aceste contradicții reflectă nuanțele erei Grand Style. O contribuție semnificativă la arta portretului ceremonial în „stil statuar” a fost adusă de gravori remarcabili J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelink. Pictorul N. de Largilliere, care, ca mulți alți portretiști, a lucrat sub influența lui A. Van Dyck, a pictat frumuseți seculare sub forma unor zeițe și nimfe antice pe fundalul unui peisaj forestier, care anticipa trăsăturile Stilul rococo de la mijlocul secolului viitor. În secolul al XVII-lea În Franța au fost create cele mai bune lucrări din genul gravurii ornamentale, cel puțin: a fost creat genul în sine. Compozițiile lui J. Lepôtre, D. Marot cel Bătrân și J. Marot cel Bătrân, adunate în albume mari („Vase”, „Portale”, „Plafonduri”, „Cartușuri”, „Seminee”, „Borduri”) au demonstrat perfect Principalele caracteristici „Grand Style”, s-au răspândit în multe țări și au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării artei decorative în toată Europa. Lucrând în acest gen, artiștii nu au fost reglementați de intriga și de cerințele clientului și-au dat frâu liber imaginației, punând la punct elementele formale individuale ale stilului.

Manifestarea „Stilului Mare” în decor

Un artist decorativ remarcabil al Grand Style-ului, care a anticipat stilul rococo, a fost J. Veren the Elder. A proiectat festivități de curte, producții de opere de J.-B. Lully, un compozitor al „stilului Versailles”, a realizat desene de mobilier, design interior și decorarea navelor. În aceiași ani, a fost realizat planul grandios al lui Ludovic al XIV-lea: să facă gravuri ale tuturor operelor de artă semnificative create în Franța în timpul domniei sale și aflate în colecțiile regale. O idee demnă de „Big Style”! O astfel de enciclopedie artistică a început să fie pregătită în 1663 și a fost publicată în albume de gravuri pe cupru „în folio” (în latină „în foaie”, adică format mare) în 1677-1683. Gravurile reproduc picturi, sculpturi, tapiserii regale, colecții de medalii, monede, camee, vederi ale palatelor regale și castelelor. În 1727 și 1734, aceste serii au fost publicate din nou sub denumirea de „Cabinet Regal” (o serie similară a fost creată în 1729-1742 sub conducerea lui P. Crozat). Inițiativele regelui Ludovic al XIV-lea au contribuit la formarea colecției de artă a Luvru. În 1662, prin ordin al ministrului J.-B. Colbert, dintr-un simplu atelier de vopsitori de lână de la periferia Parisului, a creat „Manufactura Regală de Mobilă”, sau Fabrica Gobelin.

Nu numai covoare țesute și tapiserii au fost produse acolo, ci și mobilier, mozaicuri și articole din bronz. Fabrica Beauvais a funcționat din 1664, Aubusson din 1665 și Savonnerie din 1624. La cumpăna secolelor XVII-XVIII. Arta franceză, conform impresiilor contemporanilor, a creat un sentiment de „lux neînfrânat și splendoare”. Coryverdure și tapiserii uriașe „picture” cu margini luxuriante - ghirlande de flori și fructe, embleme și cartușe, cu fire de aur și argint strălucitoare țesute, ocupau toți pereții. Nu numai că corespundeau caracterului interioarelor „Big Style”, dar le-au dat tonul. Principalul artist al manufacturii Gobelin a fost C. Lebrun. Cea mai faimoasă serie de tapiserii bazate pe cartonașele sale este „Lunile sau Castelele regale” (1666), în care Lebrun a combinat cu succes „stilul clasic al lui Rafael cu fastul baroc al lui Rubens”. Din 1668 până în 1682 seria celor douăsprezece covoare s-a repetat de șapte ori. Alte serii, bazate tot pe cartonașele lui Lebrun, au devenit celebre: „Istoria lui Ludovic al XIV-lea”, „Elementele sau anotimpurile”, „Istoria lui Alexandru cel Mare”. Franța nu a cunoscut niciodată o asemenea abundență de capodopere ale artei decorative. Un eveniment în arta mobilierului au fost lucrările originale ale remarcabilului maestru A.-S. Bullya. Dulapurile monumentale și comodele operei sale cu suprapuneri din bronz aurit și intarsie, bogate în culoare și textură, corespundeau măreției interioarelor de palat ceremonial. În secolul al XVII-lea, pe lângă catifea și mătase, dantelă a devenit un accesoriu obligatoriu nu numai pentru costumele pentru femei, ci și pentru bărbați.

La început, dantelă flamandă și guipură venețiană au fost importate în Franța. În 1665, la Alençon a fost înființat un atelier, unde meșterele locale au fost instruite de dantelării venețieni. Curând, Alençon guipure a început să fie numit „point de France” („Cusătură franceză”). Printr-un decret special, regele Ludovic și-a obligat curtenii să poarte numai dantelă franțuzească. S-au distins printr-un model deosebit de fin, rafinat. Bijutierul de curte al lui Ludovic al XIV-lea a fost argintarul C. Ballen primul. A creat tacâmuri și a turnat mobilier din argint pentru Versailles. Aceste lucrări nu au durat mult. În 1689, din cauza dificultăților financiare ale statului, regele a emis un „Decret împotriva luxului” privind topirea tuturor obiectelor de aur și argint în monede. S-au pierdut un număr imens de lucrări unice. Dar regele încă nu avea destui bani și decretul s-a repetat în 1700. Drept urmare, s-au produs pagube enorme artei bijuteriei din Franța, dar în același timp decretele au contribuit la creșterea producției de faianță în Rouen și Moustiers. . Argintăria urma să fie înlocuită cu ceramică. Așa a apărut „stilul radiant” unic de pictură pe faianță de Rouen. Sfârșitul secolului al XVII-lea a fost și perioada de glorie a artei broderiei de mătase. „Stilul măreț” al erei Regelui Soare a creat o altă tradiție franceză. Femeile au început să dea tonul în artă. Multe idei artistice originale s-au născut nu la tron, ci în Saloane (acest cuvânt a apărut și în secolul al XVII-lea), salonuri aristocratice și budoare ale favoriților regelui: din 1661, Mademoiselle de Lavalliere, în 1668-1678 - F. de Montespan . Marchiza Françoise Athenais de Montespan (1641-1707) a fost un reprezentant al unei vechi familii aristocratice. Mulți artiști își datorează bunăstarea educației, gustului subtil și dragostei pentru artă. În 1678, Marie Angelica de Fontanges (1661-1681) a atras atenția regelui. Influența sa explică apariția noilor modele de îmbrăcăminte, coafuri și bijuterii. Așa că, într-o zi, în timpul unei vânătoare regale, părul ducesei de Fontanges s-a destrămat și și-a legat părul cu o panglică. Regele și-a exprimat admirația și în curând toate doamnele curții au început să-și poarte coafura „Fontange” (“a La Fontanges”).

În 1684, după moartea reginei, Ludovic al XIV-lea s-a căsătorit în secret cu marchiza Françoise de Maintenon (1635-1719). Marchiza s-a remarcat prin evlavia sa și de-a lungul anilor a devenit din ce în ce mai supusă influenței mărturisitorilor ei catolici. Prin ea, biserica a decis să-l convertească pe Ludovic pe calea evlaviei. Prin urmare, întreaga a doua jumătate a domniei a fost pictată în tonuri dure și a avut loc într-o atmosferă de „descurajare generală”. De asemenea, se crede că regele a decis să abroge Edictul de la Nantes în 1685, sub influența devotatului catolic Maintenon. Acest edict, emis de Henric al IV-lea încă din 1598, a garantat libertatea religioasă în Franța. Odată cu desființarea ei, o parte semnificativă a bijutierii, embosers, emaileri, ceramiciști, țesători, care erau foști protestanți, au fost forțați să părăsească Franța pentru totdeauna. S-au mutat în Germania, Anglia, Olanda și Elveția, acești maeștri au adus o contribuție semnificativă la dezvoltarea artelor decorative și aplicate în aceste țări. După ridicarea Edictului de la Nantes, s-a observat un declin în viața artistică a Franței. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea. „Stilul mare” își epuizase în mod clar posibilitățile, „epoca de aur” a artei franceze se sfârșise pentru a lăsa loc artei de cameră și puțin obosite a stilului Regency de la începutul secolului al XVIII-lea. Dar tocmai din secolul al XVII-lea. răspândirea ideilor clasicismului începe în Europa. Aceste idei au putut să se contureze într-un stil artistic internațional abia de la mijlocul secolului al XVIII-lea. Pentru Franța, după arta clasică a Renașterii secolului al XVI-lea. și „Marele stil” al secolului al XVII-lea, acesta era deja al treilea val al Clasicismului, prin urmare stilul artistic al artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea se numește Neoclasicism, în timp ce în raport cu alte țări europene este pur și simplu Clasicism.

Apariția stilului

Stil mare- (franceză „Grand maniere”, Le style Louis Quatorze) - stilul artistic al uneia dintre cele mai vibrante perioade din istoria Franței, „epoca de aur” a artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVII-lea.

 Asociat cu domnia regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715), de unde și numele. Acest stil combină elemente de clasicism și baroc. Cu structura sa figurativă, „Stilul Mare” a exprimat ideile de triumf al puterii regale puternice, absolute, unității naționale, bogăție și prosperitate, de unde și epitetul său. Le Grand.

În 1643, moștenitorul tronului în vârstă de cinci ani, Ludovic al XIV-lea, a devenit șeful Franței, iar mama sa, regina Ana a Austriei, a devenit regentă. Politica a fost stabilită de primul ministru, atotputernicul cardinal Mazarin. În ciuda urii poporului față de cardinalul italian și antipatiei față de „regina austriacă”, ideea necesității unei puteri absolute durabile, ca o condiție indispensabilă pentru dezvoltarea națiunii franceze și unificarea țării, a adunat mințile conducătoare ale timpul - politicieni, nobilimi, scriitori și artiști - în jurul tronului. În 1655, tânărul rege a rostit celebra frază la o ședință a parlamentului: „L"Etat, c"est moi!" („State, eu sunt!”). Iar curtenii, nu fără lingușiri, desigur, l-au poreclit „Roi Soleil” - „Regele Soare” (care strălucește mereu peste Franța). Ministrul de Finanțe al „Regelui Soare” J.-B. Colbert a „supravegheat” dezvoltarea arhitecturii și activitățile Academiilor. În 1663, Colbert a organizat „Academia Inscripțiilor”, special pentru alcătuirea inscripțiilor pentru monumente și medalii care slăvesc regele. Arta a fost declarată chestiune de stat. Artiștilor li s-au dat instrucțiuni directe pentru a glorifica puterea regală nelimitată, indiferent de mijloace.

„Stilul mare” trebuia să reflecte noile idealuri ale absolutismului. Nu putea fi decât Clasicism, asociat cu măreția vechilor greci și romani: regele francez a fost comparat cu Iulius Cezar și Alexandru cel Mare. Dar clasicismul strict și rațional părea insuficient de magnific pentru a exprima triumful unei monarhii absolute. În Italia la acea vreme stilul domina Stil baroc. Prin urmare, este firesc ca artiștii francezi să apeleze la formele barocului italian modern. Dar în Franța, barocul nu a putut să iasă din arhitectura clasicismului la fel de puternic ca în Italia.
Încă din epocă Renașterea franceză secolul al XVI-lea În această țară s-au stabilit idealurile clasicismului, a căror influență asupra dezvoltării artei nu a slăbit până la sfârșitul secolului al XIX-lea. Aceasta este caracteristica principală a „stilului francez”. În plus, formele clasiciste au prins rădăcini pe un alt sol decât în ​​Italia, din puternicele tradiții naționale ale artei romanice și gotice. Așa se explică de ce din barocul italian au fost împrumutate numai elemente individuale, în timp ce principalele principii formative ale artei din epoca lui Ludovic al XIV-lea au rămas ideile clasicismului. Astfel, în proiectarea fațadelor clădirilor s-a păstrat designul strict clasicist al pereților, dar elementele baroc au fost prezente în detaliile de design interior, spaliere și mobilier.
Influența ideologiei de stat a fost atât de mare încât din acel moment, etapele individuale ale dezvoltării artei în Franța au început să fie desemnate cu numele regilor: stilul lui Ludovic al XIV-lea, stilul lui Ludovic al XV-lea, stilul lui Ludovic al XVI-lea. . Obiceiul acestui nume a fost mai târziu inversat înapoi la vremea dinaintea domniei lui Ludovic al XIV-lea. O altă caracteristică importantă a epocii a fost că tocmai în Franța, în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a luat contur conceptul de stil artistic. Înainte de aceasta, în Italia, ideile clasicismului, abia începând să prindă contur, au fost imediat înlocuite de manierism și baroc.

Clasicismul ca mișcare artistică a luat contur în Franța și de atunci, nu Roma, ci Parisul a început să dicteze moda în artă și rolul acesteia nu a slăbit în secolele 18, 19 și 20 ulterioare. Pentru prima dată în istorie, în Franța, în epoca lui Ludovic al XIV-lea, stilul a început să fie recunoscut ca cea mai importantă categorie de artă, estetică și a devenit norma de viață, viața de zi cu zi și morala, pătrunzând toate aspectele etichetei curții ( cuvânt care a apărut și la curtea lui Ludovic al XIV-lea). Odată cu conștientizarea stilului vine și estetizarea elementelor formale individuale, cultivarea gustului și un „simț al detaliilor”. Această caracteristică a devenit o tradiție, care de-a lungul mai multor decenii a creat un „simț al formei”, o cultură plastică și o subtilitate a gândirii inerente în mod specific școlii franceze. Dar această cultură nu s-a dezvoltat ușor. La început, idealul renascentist al unei forme holistice, statice, autoechilibrate (oarecum zdruncinat de arta manierismului și barocului) a fost înlocuit cu ideea de estetizare a „deliciilor aleatorii” și a mijloacelor individuale de atingere a frumuseții: linia, vopsea, textura materialului. În locul categoriei de compoziție (compositio), propusă de arhitectul și teoreticianul italian L. B. Alberti, se introduce conceptul de „compus mixt” (lat. mixtum compositura). Această fragmentare a început cu artiștii manieristi italieni care au lucrat la curtea lui Francisc I și apoi Henric al II-lea la școala din Fontainebleau. Studenții lor francezi, care lucrau în conți și castele regale de-a lungul râului. Loara și chiar Parisul au format treptat o cultură aristocratică a formei, care mai târziu a strălucit în stilul rococo al secolului al XVIII-lea, dar a dat primele roade în secolul al XVII-lea. „Poate că influența artei franceze asupra vieții straturilor superioare ale Europei, inclusiv a societății ruse, a fost mai puternică în secolul al XVIII-lea, dar bazele supremației limbii franceze, manierele, modele și plăcerile au fost puse, fără îndoială, de către timpul „Regelui Soare”.

Nu este o coincidență că a doua jumătate a secolului al XVII-lea este numită „cea mai strălucită perioadă a istoriei franceze”. Cele mai frecvente cuvinte, repetate adesea în memoriile și tratatele de estetică ale vremii: măreț, măreție, lux, festiv... Probabil, splendoarea stilului de artă de curte a creat într-adevăr impresia unei „sărbătoare eterne a vieții”. Potrivit celebrei memoriste Madame de Sevigne, curtea lui Ludovic al XIV-lea a fost mereu „în stare de plăcere și de artă”... Regele „ascultă mereu un fel de muzică, foarte plăcută. Vorbește cu doamnele care sunt obișnuite cu această onoare... Festivitățile continuă în fiecare zi și la miezul nopții.” În „secolul al XVII-lea strălucit”, stilul, eticheta și maniera au devenit o adevărată manie. De aici și moda pentru oglinzi și memorii. Oamenii doreau să se vadă pe ei înșiși din exterior, să devină spectatori ai propriei poziții. Înflorirea artei portretului de curte nu a întârziat să apară. Luxul recepțiilor de la palat i-a uimit pe trimișii curților europene.

În Marea Galerie a Palatului Versailles, mii de lumânări au fost aprinse, reflectate în oglinzi, iar rochiile doamnelor de la curte erau „atât de pline de bijuterii și aur, încât cu greu puteau merge”. Niciunul dintre statele europene nu a îndrăznit să concureze cu Franța, aflată atunci în apogeul gloriei sale. „Big Style” a apărut la momentul potrivit și la locul potrivit. A reflectat cu acuratețe conținutul epocii - dar nu starea sa reală, ci starea de spirit a minții. Regele însuși nu era interesat de artă, a purtat războaie fără glorie care au epuizat puterea statului. Și oamenii păreau să încerce să nu observe acest lucru, au vrut să arate așa cum li se păreau în imaginația lor. Ce aroganță! Când studiem această epocă, ai senzația că cei mai mari artiști ai ei au fost croitorii și frizerii. Însă, de-a lungul timpului, istoria a pus totul la locul său, păstrând pentru noi marile lucrări ale arhitecților, sculptorilor, desenatorilor și gravorilor. Mania pentru stil și „maniera grandioasă” franceză s-a răspândit rapid în toată Europa, depășind barierele diplomatice și guvernamentale. Puterea artei s-a dovedit a fi mai puternică decât armele, iar Berlinul, Viena și chiar prima Londra au capitulat în fața ei.